Dossiers de Cine y Series Laps3

kova · marzo 22, 2009

BLADE RUNNER.....(Posible spooiler)

A principios del siglo XXI la Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus -un ser virtualmente idéntico al hombre- y conocido como Replicante.

Los replicantes Nexus 6 eran superiores en fuerza y agilidad, y al menos iguales en inteligencia, a los ingenieros de genética que los crearon.

En el espacio exterior, los replicantes fueron usados como trabajadores esclavos, en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas.

Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus 6 en una colonia sideral, los replicantes fueron declarados proscritos en la tierra bajo pena de muerte.

Brigadas de policía especiales con el nombre de unidades de Blade Runners tenían ordenes de tirar a matar al ver a cualquier replicante invasor.

A esto no se le llamó ejecución, se le llamo retiro.

Los Ángeles, Noviembre 2019

Mucho más que una película de acción

A pesar de estar enfocada como una película de acción, cine negro situado en el futuro, Blade Runner resulta ser tremendamente rica en cuanto a profundidad y planteamientos. Se han escrito libros y libros sobre la película, y cientos de reseñas y comentarios...

Estos son algunos de los temas que explora Blade Runner:

La humanidad. Qué significa realmente ser humano. El miedo. La esclavitud. La inmortalidad.

Las implicaciones morales de la manipulación genetica, la creación de inteligencia artificial, y la amenaza construida por el hombre contra sí mismo.

El efecto del exagerado desarrollo de la civilización en el medio ambiente, los problemas de la colonización de nuevos mundos, la tecnología avanzada que no puede evitar la decadencia de las ciudades ni de la sociedad.

El control sobre los individuos, la corporación como entidad poderosa, la policía omnipresente, la paranoia, el control sobre la naturaleza.

La mente, los recuerdos, qué es real y qué no lo es, cómo distinguir un ser humano de un ser artificial, cómo una inteligencia artificial se vería a sí misma.

¿Es Deckard un replicante?

Pocos debates cinematográficos han hecho correr tantos ríos de tinta como este. Hay fans tanto a favor de una versión (Deckard es humano) como de la otra (Deckard es un replicante). Hay quien incluso consideran que en realidad este detalle no es importante y que es parte de la magia de la película y de esa exploración sobre lo que significa ser humano realmente.A favor y en contra de ambas teorías están las siguientes pistas y razonamientos, casi ninguno concluyente:

Deckard es un replicante porque...

Sueña con un unicornio y Gaff le muestra un unicornio hecho de papel para darle a entender que sus recuerdos son implantados, como los de los replicantes. Gaff también le dice en tono irónico «Ha hecho el trabajo de un hombre, señor».

Los replicantes son increíblemente fuertes. Sólo siendo un replicante podría soportar las tremendas palizas que le dan Batty y Leon. Tendría sentido que la policía enviara a un replicante reprogramado a detener a otros replicantes.

Se dice que escaparon seis replicantes de la colina y uno murió en la valla eléctrica, pero Deckard sólo ha de perseguir a cuatro. Él puede ser el que falta (capturado y reprogramado).

Rachel le pregunta a Deckard si alguna vez se ha hecho el test Voight-Kampff a sí mismo, pero Deckard no contesta.

Los ojos de los replicantes brillan en algunos planos. Los de Deckard brillan cuando en su apartamento dice a Rachel que no va a ir a por ella, pero que «alguien lo hará». (Resulta interesante que esto sea una meta-pista fuera de la película, sólo para la audiencia, porque si los ojos de los androides realmente brillaran, el test Voight-Kampff sería innecesario para distinguir a los androides de los humanos.)

Los replicantes parecen tener cierta afición por las fotografías.

Roy conoce el nombre de Deckard, aunque nadie se lo ha dicho (por tanto podría ser uno de los miembros rebeldes huídos de las colonias).

Gaff siempre está donde está Deckard. Esto sugiere que tal vez Gaff es el verdadero Blade Runner y Deckard simplemente un replicante manipulado para ir haciendo el trabajo sucio.

Deckard no es un replicante porque...

No es tan fuerte como los otros replicantes, le dan unas palizas tremendas, su fuerza es simplemente humana y siente cansancio.

Su nombre completo es Rick Deckard, mientras que los androides sólo tienen un nombre.

En la versión original la «voz en off» es muy humana, e incluso habla de su ex-mujer.

Los replicantes están prohibidos, por tanto sería extraño que Deckard anduviera libre por la ciudad. Además no parece haber conexión entre Tyrell y la policía respecto a Deckard.

Los replicantes tienen recuerdos falsos, pero los de Deckard no son muy felices respecto a su vida anterior y su estancia en la policía. Si fueran implantados, ¿por qué no usar buenos recuerdos sobre su vida de policía?

La historia trata sobre lo que es ser humano y las diferencias entre replicantes humanos. Si Deckard fuera replicante, no habría contraste apenas y la historia no tendría tanto sentido.

¿Se fiaría la policía de un replicante con lo peligrosos que son?

vosotros que pensais, ¿es Dekard un replicante?, yo me inclino a pensar que si, es mas quiero que sea asi, pero sobre todo recordad:

Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais... atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.....

Posiblemente una de las mejores frases de la historia del cine...un saludo machotes...

Fotos:

SI NO HAS VISTO LA PELICULA QUIZAS NO DEBAS VER LOS VIDEOS.....

kova · marzo 31, 2009

Fargo

Un hombre apocado y tímido, casado con la hija de un millonario que le mantiene totalmente alejado de su fortuna, decide contratar a dos delincuentes para que secuestren a su esposa, y así con el rescate poder montar su propio negocio. Pero en el transcurso del rapto, tres inocentes resultan brutalmente asesinados, siendo el comienzo de una serie de muertes sin sentido que tendrá que resolver la policía.

Cuando las cosas no van bien, lo malo no es que te mezcles con psicópatas con poco cerebro y el gatillo fácil... lo peor es dar con una mujer policía embarazada con un gran sentido común y muchas ganas de volver a casa a tumbarse al lado de su marido. Ésta (o la historia de un pobre hombre codicioso) es básicamente la idea que los Coen proponen para entregar una obra maestra de la crónica negra de la América profunda. Sangre sobre nieve, violencia asesina y náuseas matinales se mezclan en un inteligente relato que confirma el modo singular y único con el que estos hermanos filman el thriller americano. Mención especial se merece su reparto: ninguna estrella de Hollywood... y ni falta que hace: Mcdormand, Macy y Buscemi están insuperables.

Minnesotta es un desierto de nieve en el que nunca pasa nada. Sobre ese blanco níveo, los hermanos Coen nos proponen un viaje salvaje, divertido y sangriento a una historia presentada bajo la premisa “basada en un hecho real”, pero enteramente concebida por estos inspirados hermanos.

La genialidad de esta película es que perteneciendo por derecho propio al género negro, llega a él realizando una comedia despiada, rezumante de un humor negro desenfadado y estrambótico, mostrándonos a una galería de personajes que sólo pueden tener acomodo en un paisaje tan rural como el que muestran en la película. De hecho, parte de la riqueza de esta película surge del hecho de constrastar la placidez de unos personajes (estupenda la secuencia en la que un vecino informa de la “gente rara” que vio; o la espléndida F. McDormand que compone una “policía” única en toda la historia del cine), sobre el temperamento más sanguinario y violento de otros. Una violencia bizarra que de todos modos siempre estará escoltada por la sonrisa.
Para eso, los hermanos Coen se valen de una realización muy estilizada (prodigiosos los travellings, los planos generales de esa Minnesotta helada, el maravilloso picado que muestra el enfado de Macy), con el manejo tan inspirado al que nos tienen acostumbrados.

Una de mis películas favoritas de los Coen, quizás la que más me gusta junto a Muerte entre las flores. Fargo es una película de contraste entre lo que aparentemente te están contando y el modo en que te lo están contando: los hechos del argumento son terribles, por ejemplo, pero a menudo te provocan más risa que lástima. La violencia y la crueldad contrastan con un humor negrísimo que está presente desde la primera escena, cuando Jerry llega una hora tarde a su cita con los matones (los personajes son tan patéticos que ni eso son capaces de hacer bien, y en adelante sus chapuzas cada vez serán mayores).

Destacar tambien el frio que consigue trasmitir, ya la puedes ver en pleno agosto, que acabaras tapado con una manta, los planos del paisaje son magnificos..y destacar tambien la maravillosa banda sonora...

“Fargo” es una parada obligatoria, una cita maravillosa para todas las personas que crean que el cine es el arte más divertido del mundo.

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kova · abril 3, 2009

A Simple Plan (Un plan sencillo)

Hank, su hermano y un amigo encuentran 4.500.000 dólares en una avioneta que ha sufrido un accidente. Primero se enfrentan al dilema de quedarse o no con el botín, y después trazan un plan: Hank, el único con empleo estable y persona responsable -y por tanto menos sospechoso- guardará el dinero una temporada. Si nadie lo reclama, se lo repartirán a partes iguales.

En la misma línea que "Fargo", se trata de una interesante historia ambientada en la América profunda sobre la ambición humana y las esperanzas futuras teñidas de avaricia y sangre (siempre por ese orden). La trama es ingeniosa de partida, y el desarrollo de los acontecimientos a través de los distintos personajes, muy creíble. Primera película no de terror de Sam Raimi.

La vida nos viene grande... Esta es, al menos, la certidumbre que insidiosamente va minando los días de la familia Mitchell y de su reducidísimo círculo de amistades una vez que, en una bobalicona resolución, optan por abrir la “caja de los truenos”. A partir de ese instante, personajes movidos por una progresivamente explícita codicia intentan conducir un destino ingobernable. Peor aún, un destino que parece seguir milimétricamente el plan trazado por una mente maliciosa, cruel, alentada por una perversa variedad del humor negro.
Recuerdan estos definitivos antihéroes a los que protagonizaban el “Fargo” de los hermanos Coen. Unos y otros actúan en un universo cubierto de nieve, útil metáfora de su desamparo. Unos y otros exudan un aura de indefensión, de arbitrariedad, del más profundo desconcierto. Unos y otros toman, por una vez, una decisión importante en sus vidas... y no tardan en intuir el desastre que traerá aparejado ese gesto.
“A simple plan”, la magnífica traslación al cine de la novela homónima de Scott B. Smith, supone una incontestable reivindicación del talento de Sam Raimi, un director al que muchos daban por definitivamente echado a perder tras una serie de fiascos. Aclamado a los veintidós años por su primer film, ”Posesión infernal”, proyectado a la popularidad por su divertido “El ejército de las tinieblas”, criticado por “Rápida y mortal” o “Entre el amor y el juego”, Raimi demuestra en “Un plan sencillo” una madurez y maestría narrativa excepcionales.
Nada es superfluo en estos 123 intensos minutos de buen cine, de cine sólido. Sobran en la obra motivos para el disfrute del espectador. Por ejemplo, la perfecta estructura de su argumento, también escrito por S.B. Smith, que vería recompensado su trabajo con la candidatura al Oscar al mejor guión adaptado. O el espléndido trabajo de los actores, entre los que cabe destacar un inconmensurable Billy Bob Thornton en puro estado de gracia. Su construcción de Jacob Mitchell -también nominado al Oscar- es tan emocionante como prodigiosa, en línea con sus magistrales interpretaciones de Ed Crane, en “El hombre que nunca estuvo allí”, o de Hank Grotowski, en “Monster´s Ball”. en resumidas cuentas una muy buena peli, que aunque con pocos personajes, consigue pegarnos al sillon, produciendonos una curiosidad sobre el que pasara ahora....

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kova · abril 5, 2009

Matando Cabos

Rapida, ingeniosa, delirante, brutalmente divertida y original, pelicula mexicana poco conocida pero muy buena, a un paso entre la estrambotica snatch, cerdos y diamantes y la genial pulp fiction...

En el transcurso de una noche, dos jóvenes amigos, Jaque y Mudo, viven una aventura insólita: tienen que encontrar la manera de que su jefe, Óscar Cabos, un temible magnate y padre de Paulina, novia de Jaque, regrese sano y salvo a su casa, ya que por extrañas circunstancias... se encuentra encerrado en el capot de su coche. Paralelamente, Botcha y su amigo Nico intentan secuestrar al magnate Cabos con intenciones de pedir una gran suma de dinero como rescate y vengar el pasado humillante del padre de Botcha.

Divertida peli de acción, enredos y mucho humor negro. Las interpretaciones son del todo correctas, en especial las el dúo protagonista, que han sabido reflejar una química de colegueo muy necesaria para este tipo de narraciones. Quizás el punto más flojo sea la fotografía, demasiado estática para lo frenético que acontece, aunque un eficaz guión y una puesta en escena muy adecuada y realista compensan de sobras otras carencias.
Muy recomendable como entretenimiento, no tiene un solo instante aburrido y sabe mantener el ritmo de principio a fin. Toda una agradable sorpresa, vaya.

Esta comedia negra reúne todos los ingredientes del género pulp: situaciones disparatadas, giros inesperados (o esperados, pero bien llevados), violencia y humor. Y el resultado es francamente bueno. Sinceramente, hacía mucho tiempo que no me reía tanto con una película, y no me refiero a carcajadas facilonas, precisamente.

La dinámica de la cinta es adecuada: en su comienzo, no sabes muy bien por dónde van los tiros, aunque al tiempo todo adquiere lógica. Y aunque los giros en el guión son forzados (abierta y descaradamente), las situaciones que se plantean, que van desde lo surrealista a lo absurdo, centran la atención en la trama.

El film es bueno en todos los niveles: reparto, música, guión... Sólo a veces el ritmo decrece un poco, pero el resultado final es notable. Muy entretenida pelicula de acción, en una noche donde ocurren situaciones inverosímiles, extrañas coincidencias, asesinatos varios... Muy interesante el método introspectivo a cámara rápida que se realiza en determinados personajes.

Da gusto ver otro cine, y otro lenguaje, no tan comercial, pero si muy entretenido y trepidante.

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kova · abril 16, 2009

Mallrats

A Brodie y T.S. les acaban de dejar sus respectivas novias. Para evadirse deciden visitar el centro comercial. Una vez allá, y con la ayuda de varios amigos, intentarán reconquistarlas y de paso sabotear el concurso que prepara allí el padre de una de las chicas.

Kevin Smith define en su corta filmografía, pelicula a pelicula, que además de ser un comediante, es un gran humanista.

En la época del resurgir del teen-comedy, con American Pie a la cabeza, el director nos regala una serie de episodios en forma de largometrages descarados una visión bien realista pero desenfadada y transgresora de la vida de barrio, del hombre de a pie, del estudiante que rehuye de su aburrido mundo mediante el sexo o los comics.

"Mallrats" narra la historia de dos colegas recien abandonados por sus parejas que matan el fastuoso día viviendo aventuras en el centro comercial de la ciudad.

La creatividad de Smith permite engendrar microuniversos que desprenden una gran simpatía, en gran parte porque literalmente recita pensamientos de nuestra generación, dentro de hechos tan triviales como quedar con tu amigo para dar una vuelta. En un marco tan sencillo nos desprende una magia aparentemente común pero que siembra en nuestro interior un júbilo que nos hace reirnos pero sentirnos orgullosos de nuestra triste existencia. Una ironía de nuestras vidas de hora y media. Y lo mejor de todo es que en el plano cinematográfico es impecable. Un guión fresco y gracioso, una dirección elástica y profesional, una interpretaciones mas que notables...Mallrats es de esas peliculas en que si no nos encontramos en un momento de carcajada limpia -Como todo el concurso de búsqueda de parejas-, estamos con la sonrisa que se encuentra a caballo del "que cierto es eso" o "que bueno es eso que ha dicho", ya que nos regala unos dialogos muy inteligentes, tales como las facultades reproductoras de Superman o el instinto de supervivencia del Primo Walter.

Una de las mejores comedias de los últimos 20 años, una gran dirección fresca, satírica y, porque no, loca de la vida que acarreamos todos, adolescentes o no.

Muchos dicen que esta es una peli menor, o que no llega a la altura de "Clerks", pero no se dan cuenta de que Kevin Smith aunque siempre manteniendo su estilo intenta hecer algo un poco distinto en cada peli, "Clerks" es su primera peli, y posiblemente la mejor, pero como comedia gamberra Mallrats es brutal, es de esas pelis que una vez vista no haras mas que recordar momentos de la peli, y no podras contener la sonrisa, tiene unos dialogos simplemente geniales, y los 15 ultimos minutos son epicos, yo sinceramente se la recomendaria a todo el mundo....

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.....escena de mallrats, aunque ponga que es de jay y bob.....

kova · junio 24, 2009

Mediterraneo

En 1941, un grupo de ocho soldados italianos llega a una isla del mar Egeo; su misión consiste en combatir contra los aliados, pero en el pueblo sólo habitan ancianos, mujeres y niños, todos de nacionalidad griega...

A Gila le hubiése encantando firmar este film si se hubiera dedicado a la dirección de cine. Los italianos son la ostia. Les metes en plena guerra en una pequeña isla griega, y como les des un poco de queso, algo de vino, una puta y un balón... no los echa de allí ni el primer cuerpo acorazado del III Reich. Y si además lo aderezamos con algún turco que venga de vez en cuando y aporte algo de maría y opio... bueno... pues habrán pasado tres años, seguirán en la puta isla, en calzoncillos y filosofando sobre la vida y el amor, y por supuesto, embarazando lo que puedan a las mujeres nativas del lugar. Y todo ello de buen rollito. Cómo son oye...

Decir que me ha gustado sería quedarme corto. Pocas veces me he reído tanto en una comedia que no busca la risa mediante gags, sino que resuelve las diferentes situaciones dependiendo del carácter marcado de cada soldado. Y en ello Mediterráneo es muy grande. Todos los soldados van variando su modo y manera de sentir la guerra primero y la vida después. Desde luego el sentimentalismo aquí está fuera de lugar y se maneja de forma sutil. Se trata más bien de mostrar cariño que sentimientos a flor de piel. Y en cuanto a que los latinos no hacen la guerra... ejem... Napoleón, Roma, Felipe II, el imperio portugués... etc. etc. Hombre, prefieren amar y beber antes que pelear, no como los ingleses que precisamente echaban ésto mismo en cara a las tropas napoleónicas. Y los ingleses que aparecen en la barca al final no dan crédito a lo que ven. Bufff...ademas destacar una banda sonora que por ratos te hara reir o llorar...

Mediterráneo es una belleza visual. Filmada la mayor parte en exteriores, la fotografía es intensa y brillante y los parajes que nos muestra Gabriele Salvatores nada tienen que envidiar a cualquier isla del Pacífico. Las interpretaciones son mágicas, así como su posterior evolución y adaptación al lugar. Los diálogos brillantes y las pullas, situaciones pintorescas y tonterías que cometen nuestros amigos están más que justificadas por su origen festivalero.

Una película con sabor a libertad en la que los desertores son bienvenidos en el mundo de los cielos... y de los héroes. Genial.

"Sargento... creo que me he enamorado de usted." esta frase, el partido de futbol en la playa, la fumada de hash con el turco y casi cualquiera de las brillantes escenas de la peli son dignas de ver y escuchar por todo aquel que ame el cine, a mi me marco ver esta peli, cada vez que la veo me transporto al verano en la que la vi, hace ya mucho, y se produce en mi una mezcla de nostalgia y alegria, sinceramente se la recomiendo a todos los cinefilos, no os arrepentireis de verla, porque en resumidas cuentas la peli trata sobre la amistad, el rumbo que tomamos en la vida, el amor, y porque no, la felicidad........

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kova · julio 31, 2009

Dos hombres y medio

Título original: Two and a half men

País: Estados Unidos

Fecha de estreno original: 22 de septiembre de 2003

Fecha de clausura original: - - -

Género: Comedia

Dirigida por: Chuck Lorre y Lee Aronsohn (creadores)

Guión: Lee Aronsohn, Jeff Abugov, Susan Beavers, Don Foster, Eddie Gorodetsky, etc

Producción ejecutiva: Chuck Lorre, Lee Aronsohn, Eric Tannenbaum, Kim Tannenbaum, Mark Burg y Oren Koules

Música original de: Lee Aronsohn, Dennis C. Brown, Grant Geissman y Chuck Lorre

Estado: En emisión

Argumento de la serie:

La serie está protagonizada por el conocido actor Charlie Sheen. Una comedia donde tres hombres de dos generaciones distintas intentan madurar y aprender lo que significa ser un hombre. Un aprendizaje basado y condimentado con historias de hombres y mujeres, de amor, sexo, citas, divorcios y … madres.
Charlie Parker (Charlie Sheen) es un codiciado soltero con una preciosa casa en la playa, un cochazo en el garaje, y un don especial para conquistar a las mujeres.
Sin embargo, su existencia de ensueño se va a ver algo turbada con la llegada de su hermano Alan (Jon Cryer) y el hijo de éste, Jake (August T. Jones).
Alan se acaba de divorciar y está profundamente deprimido, por lo que se muda a casa de su hermano. Ambos hermanos son como la noche y el día, pero a pesar de sus encontronazos hay una sola cosa en la que están de acuerdo: Jake.
Ambos hermanos se ponen de acuerdo para crear un hogar estable para el niño en casa de Charlie. De este modo, juntos estos “dos hombres y medio”, inician un camino en el que deben afrontar los retos que supone ir madurando poco a poco.
Sin embargo, la historia no termina aquí, ni mucho menos: para complicar aún más las cosas, encontramos a un montón de excéntricos personajes, como la egocéntrica y controladora madre de Charlie y Alan, Evelyn (Holland Taylor); la ex mujer de Alan, Judith (Marin Hinkle), que no acaba de encontrar su identidad; Rose (Melanie Lynskey), una mujer muy atractiva, poco convencional y posiblemente un poco loca, vecina de Charlie, con quien ha tenido una breve aventura y que está decidida a quedarse en su vida de la forma que sea necesaria; y Berta (Conchata Ferrell), la dominante ama de llaves de Charlie.

Para mi una de las mejores series de humor que se pueden ver actualmente, es ver un capitulo y quedar enganchado por la risa y el buen rollo, se la recomiendo a todo aquel que quiera pasar un buen rato, charlie rules.......

Reparto:

• Jon Cryer - Alan Harper

• Conchata Ferrell - Berta

• Charlie Sheen - Charlie Harper

• Holland Taylor - Evelyn Harper

• Angus T. Jones - Jake Harper

• Marin Hinkle - Judith

• Melanie Lynskey - Rose

• April Bowlby - Kandi

• Conchata Ferrell - Berta

• Emmanuelle Vaugier - Mia

• J. D. Walsh - Gordon

• Rebecca McFarland - Leanne

• Jane Lynch - Dr. Linda Freeman

• James Edson - Stephan (Bobby) Wasserstein

• Jennifer Taylor - Tina

• Denise Richards - Lisa

• Nick Toth - Narrador

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kova · septiembre 4, 2009

La princesa prometida

Haber trabajado como actor secundario durante veinticinco años, bajo las órdenes de tipos como Woody Allen o Mike Nichols, entre otros, ha dejado tiempo a Rob Reiner para alcanzar su techo como cineasta en 1987, año en que rodó La princesa prometida. Entre las películas que pasaron por mi infancia, siempre recordaré La princesa prometida con un cariño especial. En estos días, al volverla a ver, me he propuesto descubrir si hay buen cine en ella, o si mi fascinación se debe a que la miro con los ojos aún encandilados del niño que fui. A juzgar por la forma en que comienza la historia, parece que empalaga, pero en realidad acaba por hipnotizarme.

Alejándose de las tendencias amorales del cine actual, esta aventura medieval ensalza las virtudes de los seres humanos, es una historia habitada por personas íntegras y honestas.

Sus personajes son inolvidables: el hombre de negro encarna la valentía y la humildad; Íñigo es tenaz y justo; Fezzik une a su desproporcionado cuerpo una sensibilidad entrañable; y la princesa Buttercup es dueña de un corazón incansable si se trata de amar.

En el guión escrito por William Goldman – basándose en su propio libro – encontramos algunos momentos antológicos, perlas en forma de diálogos inolvidables (“Hola, me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre, prepárate a morir”).

La fotografía de Adrian Biddle, ejecutada con mimo y buen gusto, y los acordes de la guitarra de Mark Knopfler, completan un producto repleto de encanto.

El combate a espada entre Cary Elwes y Mandy Patinkin, unido al brillante intercambio de diálogos previo, ha pasado a la historia del cine.

Íñigo Montoya perdurará para siempre en mi memoria. Estamos, en mi opinión, ante un personaje mítico, imborrable al paso de los años. Dando vida a la leal Buttercup pudimos ver, por vez primera en una pantalla, a Robin Wright ( la Jenny de Forrest Gump ), posteriormente casada con Sean Penn. Es una pena que la prometedora interpretación de Cary Elwes no se haya visto consolidada en ninguna de sus apariciones posteriores. Pese a que recientemente lo hemos visto protagonizando el claustrofóbico thriller titulado Saw, nunca interpretó un papel a la altura de Westley.

En La princesa prometida, el romanticismo vence a la frivolidad, la valentía triunfa sobre la cobardía, el amor prima sobre el odio, y la humildad se antepone a la soberbia. Un hecho representativo de su elegancia y corte clásico es que los malos no mueren: o bien se unen al bando de los buenos, o simplemente son escarmentados.

En fin, una buena peli que debereis de ver estando dispuestos a creer en un mundo mejor, yo por lo menos tengo una cosa clara. Antes de aprender a leer aprendi a soñar, espero que os guste...

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kova · septiembre 11, 2009

Ases Calientes (Smokin' Aces)

El jefe mafioso Primo Sparazza ofrece una generosa recompensa de 1 millón de dólares a quien liquide a Buddy 'Aces' Israel (Jeremy Piven), un mago de tres al cuarto que va a testificar contra la mafia de Las Vegas. El FBI ve la oportunidad de usar al embaucador para atrapar a Sparazza, y ofrece protección a Aces, al que custodiarán dos agentes (Ryan Reynolds & Ray Liotta) en su refugio de Lake Tahoe. Cuando la comunidad de malhechores presentes, pasados y futuros, se entera del precio de la cabeza de 'Aces', una multitud de cazadores de recompensas, matones, bellas y sensuales sirenas traidoras y mafiosos salen de caza. Con Lake Tahoe como objetivo, la colección de chorizos se lanza a una cómica carrera en su intento de matar a 'Aces' y llevarse el botín...

Al terminar de ver la película por primera vez, dos palabras se han quedado clavadas en mi mente... Locura y orgasmo. O puede que locura orgásmica.
Aun recuerdo cuando vi Narc en el cine y la buena impresión que me causó. Pero esta película no tiene nada que ver. Carnahan pasa de la seriedad de esos policías interpretados por Jason Patric y un demoledor Ray Liotta, a una galería de personajes a cada cual más loco, en una historia totalmente descontrolada. El resultado es más que acertado.
Están los buenos, Ryan Reynolds, Ray Liotta (que repite con Carnahan) y Andy Garcia. Los malos (bueno, este concepto es cuanto menos, extraño). Mafiosos, matones de medio pelo y sobretodo la panda de asesinos. Destacable papel el de Jeremy Piven, como mago mafioso y objetivo principal de todos los personajes involucrados. El héroe (Martin Henderson), en un principio escondido en un grupo formado por Peter Berg y Ben Affleck y que después va en busca de venganza. Y por supuesto están los nazis y el niño karateka hiperactivo empalmado.
Es evidente que con esta fauna en una película así, ocurrirán dos cosas. Primero, que algunas de las escenas más jugosas se producirán en las introducciones de algunos de los grupitos formados. Y segundo, que después empezará la tercera guerra mundial.
Puede parecer una locura, pero el estilo Ocean's Eleven de Soderberg, está muy presente en el film de Carnahan y no solo por tener como escenario un hotel, Las Vegas y demás. También por los giros que da la historia en ciertos momentos o la manera de "ejecutar" la acciones, por parte de los asesinos.
En líneas generales, si se toma como lo que es, no solo entretiene, sino que consigue brillar con luz propia.

En general matones, federales, prostitutas, seleccionados meticulosamente para incrementar la verosímilitud de los hechos. He leído diferentes críticas que argumentaban un cierto paralelismo entre la mítica "PULP FICTION", cargando contra el señor Carnahan , defendiendo que es una reproducción barata de la pelicula de Tarantino. Sin duda no estoy de acuerdo con la cuestión y opino que el film a medida que pasan los segundos, adquiere un estilo muy personal. En definitiva una película que hay que tener en cuenta, es más, hacer una recomendación a todo el amante de un trhiller que no deje indiferente, en ningún sentido.

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kova · octubre 9, 2009

Que Vida Mas Triste

Qué vida más triste es una serie de humor en línea española creada por Natxo del Agua y Rubén Ontiveros, y el guión y dirección por el mismo Rubén Ontiveros. Qué vida más triste alcanzó a principios de 2008 más de 2 millones de visitas a su página web; además cuenta con numerosas colaboraciones en su página, como la de Alejandro Tejería.

La serie trata sobre la vida de Borja, un basauritarra al que le suceden desventuras y situaciones graciosas cada semana.

En octubre de 2008 se trasladó el formato a una serie de televisión, que emite La Sexta.

Cada domingo se publicaba en su página web un nuevo capítulo. El primero se emitió el 27 de marzo de 2005. Actualmente la serie cuenta con tres temporadas:

* La primera temporada cuenta con 54 capítulos, que van desde el 27 de marzo de 2005 al 2 de abril de 2006.
* La segunda temporada cuenta con 40 capítulos que van desde el 6 de septiembre de 2006 hasta el 27 de mayo de 2007.
* La tercera temporada cuenta con 12 capítulos, desde el 6 de abril de 2008 hasta el 22 de junio de 2008.

La cuarta temporada, en televisión emitida en La Sexta y en Internet, desde el 19 de octubre de 2008, sigue la línea temporal de los episodios de Internet. El primer programa constó de varios segmentos, con una duración total de 22 minutos. El día 27 de abril de 2009 se estrenó la quinta temporada.

PERSONAJES:

* Borja: Es el personaje principal de la serie. Su grupo de música favorito es Turbonegro. Borja (Borja Pérez) trabaja en la grúa. Su actor favorito, del que es muy fan, es Bruce Willis. Tiene siempre en su cama la misma colcha, que no ha cambiado desde la primera temporada, y que es uno de sus rasgos característicos. Se le puede ver en su habitación, enfundado con un mando de la PlayStation o leyendo la revista FHM.

* Joseba: Es el mejor amigo de Borja. Joseba (Joseba Caballero) es el amigo inseparable de Borja desde que eran niños y es el marido de Izaskun.

* Nuria: Es la novia de Borja. Nuria (Nuria Herrera) es la típica novia plasta, pero a la cual se echa de menos si falta. Cortó durante un tiempo con Borja pero finalmente volvieron.

* Izaskun: Es la esposa de Joseba, Izaskun (Begoña de la Cruz) odia a Borja. Izaskun desapareció un tiempo de la serie, pero finalmente volvió, y en los últimos capítulos de la segunda temporada se acabó casando con Joseba.

* Laura: Es la ex novia de Borja. Cuando Borja cortó con Nuria, Joseba le presentó a Laura (Laura Zamanillo), una amiga de Izaskun. Borja estuvo saliendo un tiempo con ella hasta que desapareció.

* Agustín: Agustín Pérez (Santi Ugalde) es el padre de Borja. Trabaja como tornero.

* Xabi: Es un amigo de Borja y Joseba. Su primera aparición fue en la segunda temporada debido a unos problemas que habían tenido Borja, Joseba y él por el juego Pro Evolution Soccer.

Para mi esta serie es fresca y unica como pocas, tiene capitulos en los que literalmente te partes de risa, un sentido del humor muy reconocible y familiar, puede que sea una serie que no guste a todo el mundo, pero yo recomiendo verla y que cada uno juzgue, yo soy fan incondicional de los chicos de basauri...xD...

Fotos:

Videos:

Astro123 · octubre 9, 2009

La hostia......................pon las imagenes
y videos en spoiler porque sino....

kova · octubre 9, 2009

Astro123 dijo:
La hostia......................pon las imagenes
y videos en spoiler porque sino....

con este comentario demuestras que no te has leido nada y criticas por hoby, ja,ja, que tio, anda nene vete a acostarte que mañana tienes cole.....

kova · diciembre 12, 2009

Good bye, Lenin!

Octubre de 1989 no era el mejor momento para entrar en coma viviendo en la República Democrática Alemana, y eso es precisamente lo que le ocurre a la madre de Alexander Kerner (Daniel Brühl), Christiane, una mujer orgullosa de sus ideas socialistas y dirigente del Partido Socialista Unificado entregada a la política tras el abandono de su marido a Alemania Occidental, que pierde el conocimiento al ver a su hijo metido en disturbios a raíz de una manifestación en contra de Erich Honecker, con la policía del estado que tanto admira. Alex se ve envuelto en una complicada situación cuando su madre sale del coma ocho meses después. Ninguna otra cosa podría afectar tanto a su madre como la caída del Muro de Berlín y el triunfo del capitalismo en su amada Alemania Oriental, y ya advertido por el médico de dejarla en reposo y sin grandes disgustos, para evitar una posible recaída, ocultará a su madre que el Muro de Berlín ha caído mientras ella estaba enferma. Para ello montará una serie de falsos telediarios, con ayuda de su amigo Denis, en los que escribirá su propia historia del país.

Por eso, para salvar a su madre, Alex convierte el apartamento familiar en una isla anclada en el pasado, una especie de último bastión del socialismo en el que su madre vive creyendo que nada ha cambiado. Lo que empieza como una mentira piadosa se convierte en una gran estafa cuando la hermana de Alex y algunos vecinos se encargan de mantener la farsa para que la madre de Alex siga creyendo que nada había cambiado.

Paralela a la película, también se plantea la búsqueda del padre de Alex.

Curiosidades:

. El edificio que Alex y Dennis utilizan en su informe sobre la Coca Cola es el mismo que Billy Wilder empleó en la película Uno, dos, tres (1961).

. En dos escenas Dennis lleva una camiseta negra con símbolos verdes, parecidos al código de Matrix. Una posible explicación es que el diseño era una idea del propio Dennis para una película, y que Matrix, en consecuencia, es socialista como la Coca Cola, según una broma del filme.

. Uno de los personajes secundarios en la trama es un taxista llamado Stefan Walz, y que fué astronauta por la RDA. El personaje está inspirado en el astronauta y mito en la RDA Sigmund Jähn, aunque éste no acabó como taxista tras la reunificación, sino como consultor de la DLR (Deutsches Zentrum für Luft- und Raumfahrt) o Agencia espacial alemana, heredera de la del antiguo Oeste, y posteriormete de la ESA o Agencia Espacial Europea.

. Cuando Alex junto a su amigo preparan el cuarto para que su madre regrese y lo encuentre todo igual, la musica de fondo y la velocidad del film es la misma que cuando Alex en La naranja mecánica tiene relaciones sexuales con dos chicas en su cuarto.

. Cuando Denis le enseña a Alexander el video de una boda, aquél lleva puesta una camiseta con motivos (lluvia digital) de Matrix, película estrenada en 1999.

Pelicula fresca, original y genial, un autentico caramelo que se va desaciendo en tu boca sin darte cuenta, es muy divertida, pero dramatica tambien, es de esas pelis por las que uno paga encantado por verla, buen cien europeo...

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kova · diciembre 23, 2009

EL CAZADOR

El cazador es una epopeya asombrosa que trata la vida de tres obreros siderúrgicos de Pennsylvania (3 generacion de rusos nacidos en estados unidos): Michael, Nick y Steven. Cuyas rutinarias y felices vidas se transforman de modo irreversible en medio de la trágica devastación de la Guerra de Vietnam. Allí son capturados por el Vietcong, los cuales mantienen a los presos en condiciones infrahumanas y les obligan a jugar a la Ruleta Rusa apostando a ver cuál de ellos sobrevivirá. Logran escapar, pero la experiencia les produce heridas físicas y psicológicas que les marcarán en su regreso a casa...

No es una película sobre la guerra, sino sobre la amistad. Sobre cómo la vida puede joder las cosas más hermosas que hemos tenido, la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba. También es un canto a la supervivencia. A mí me sigue haciendo llorar.

Quizá sea un tanto pretencioso por mi parte al afirmar que ésta es la mejor película que he visto que trate lo que la guerra puede hacer en personas normales....pero es que es dura, cruel, irreverente, bella, triste, para hacer meditar. En definitiva una película que a pesar del tiempo transcurrido sigue teniendo vigencia. No ha perdido nada de su vigor.

Personalmente, creo que es la mejor interpretación de De Niro,(junto con la de erase una vez en america) y de Walken en toda su historia cinematográfica.
La película es un retrato de la amistad por encima de la guerra.
Muchas críticas apuntan a la duración excesiva de la película, pero a mí me gustaría preguntar: ¿Qué partes o minutos, según dichas críticas sobran? NINGUNO. Como en toda obra maestra, no tiene excesiva duración, tiene la duración que ha de tener, y cada escena aporta algo valioso para la comprensión y el desarrollo del film. La primera hora, expresa la amistad forjada entre 5 amigos (que curiosamente, trabajan como forjadores en una industria de hierro, símbolo de la dureza de su amistad) y la boda de uno de ellos, que es un escenario donde se muestran todas las virtudes y defectos de los personajes. Las miradas de Robert de Niro a Meryl Streep son míticas.
Las escenas de caza son bellísimas, aparte de por la suntuosa fotografía natural, porque expresan la humanidad de los amigos antes de partir a la guerra. En la caza, los personajes ríen pero también se enfadan, son ellos mismos, pero a pesar de las diferencias, salen juntos a cazar. Y después, en las escenas del bar, la cerveza, la música y la mesa de billar dibujan el cálido cariño que se profesan entre ellos.

Pelicula indispensable para todo aquel que quiera estremecerse, no sabras si reir o llorar, y visualmente es cautivadora, para mi esta peli significo un punto de inflexion en mi modo de ver la vida, OBRA MAESTRA.....

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kova · diciembre 26, 2009

Delicatessen

Delicatessen comienza en un dilapidado edificio en una Francia rural y post-apocalíptica de 1950. La comida escasea, el grano es usado como moneda y la población animal disminuyendose, es cazada hasta la extinción. Al pie del edificio esta una carnicería, que pertenece al casero, Clapet, quien coloca enunciados en el periódico "Tiempos Duros" para atraer víctimas al edificio, asesinarlas y venderlas como carne a los habitantes del edificio.

Luego de la "partida" del último habitante, el payaso desempleado Louison llega por la vacante. Durante su rutina de mantenimiento, se hace amigo de Julie Clapet, y esta relación se convierte en un amorío. Conciente de los motivos de su padre y la inminente muerte de Louison, Julie desciende a las cañerías para encontrar a los temidos Trogloditas, un grupo rebelde de franceses vegetarianos, a quienes convence para que rescaten a Louison.

La historia se concentra en los residentes del complejo de edificios y en sus desesperados intentos por sobrevivir. Entre estos personajes se encuentra un recién llegado inquilino, quien llega para reemplazar a otro habitante cuya partida no es del todo clara al principio. El carnicero, Clapet, es el líder del edificio quien trata de mantener el control y el balance en el mismo.

Es un filme basado en sus personajes, cuyo interés es compartido por cada uno de los habitantes en cierto momento, producto de sus indiosincracias y relaciones con los demás personajes de la película.

Antes de ver la película sabía que iba a ser una película rara, paranoica y original; pero superó mis espectativas. He de reconocer, por supuesto, que disfruté con ella: me reí y me entretuvo la hora y media que dura, pero también he de reconocer que no me la esperaba así.

Impresiona bastante por la originalidad que posee desde el primer instante y por el guión tan extraño. Pero es una película que a poca gente le gustará, precisamente por lo que para mi son las virtudes de esta magnifica peli...

Recomendada 100%, de lo mejorcito que he visto en bastante tiempo. Me ha gustado incluso más que Amelie.

La última escena es una de las cosas más bellas que se han rodado en 35 mm.

Os la recomiendo encarecidamente a los amantes del humor negro-tierno.

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kova · enero 8, 2010

¡Vivir! (Ikiru)

El señor Watenabe es un funcionario gris que no es consciente de que su existencia es rutinaria y vacia, hasta el momento en que presiente que está sentenciado a muerte por un cancer,(esto se ve desde el minuto 1, no destripo nada importante,xD). Con la certeza de la proximidad del fin de sus días, emerge en él la necesidad de buscar un sentido a su vida, por lo que esta adquiere un nuevo valor y se produce un cambio radical en la actitud que, hasta ahora, habia mantenido respecto de su trabajo y las personas que le rodean.... Watanabe se percata de que no ha hecho nada por los demás, y por tanto, nada quedará tras él cuando muera. Solo ante esta desesperada situación se dará cuenta del tiempo que ha malgastado en su vida y empezará a recapacitar.

La película empieza más bien monótona con los asistentes al funeral de Kanji Watanabe (Takashi Shimura). Sin embargo, esta escenificación monótona está bien calculada para que luego suba en un crecendo interminable...

Como las otras películas de Kurosawa, esta película también empieza con unas escenas de broma y se va desarrollando acompañada de una tensión desbordante. La película está protagonizada por actores que quedarán para siempre en los anales cinematográficos, como es el caso del magnifico actor Takashi Shimura, el bogart asiatico, como se le conocia, y la verdad es verlo por primera vez y lo primero que te viene a la mente es lo mucho que se parece al gran bogart...

¡Vivir! se estructura en dos partes, la primera de las cuales comprende la historia de Watanabe desde el planteamiento de su dedicación profesional y la noticia de su enfermedad hasta su decisión de emprender la lucha por la construcción del parque. Esta primera mitad desarrolla el conflicto emocional del personaje, el cual atraviesa una profunda situación de crisis personal como resultado del conocimiento de su inminente muerte. Watanabe tratará inutilmente de recuperar el tiempo perdido en su vida anterior, dándose cuenta de que ya no puede reparar la relación de incomunicación con su hijo y su nuera, y comprobando asímismo que el disfrute desenfrenado de las juergas nocturnas no le reporta ningún tipo de satisfacción vital. El protagonista encuentra sus únicos momentos de felicidad en sus encuentros con una joven ex-empleada en su departamento, cuya vitalidad le transmite por fin cierta alegría de vivir y que actúa como catalizador de la decisión de Watanabe por realizar una misión social que le haga por fin darle un sentido a su existencia. La segunda parte del film comienza tras la elipsis marcada por el narrador que anuncia la muerte del protagonista tras cinco meses transcurridos. En esta segunda mitad, y teniendo como fondo narrativo el funeral de Watanabe, se procede a la reconstrucción de la consecución del objetivo del protagonista, a través del testimonio de los diversos asistentes a su entierro. Pese a ser considerada por una parte de la crítica como reiterativa y demasiado larga, y aunque ciertamente algunos de los hechos explicados puedan resultar redundantes, la duración de esta larga secuencia del velatorio encuentra su explicación en la intención por parte de Kurosawa de escenificar el lento desarrollo de un ritual de estas características, en el que los diversos asistentes van conformando con sus comentarios –ayudados por la ebriedad que les va provocando el sake que se les ofrece–, un exhasutivo retrato del difunto, en el que saldrán a la luz tanto sus defectos como sus cualidades y en el que el fallecido se convertirá en el centro de un debate sobre su vida que realmente muy pocos o ninguno conoce realmente.

¡Vivir!, definida por José enrique Monterde como perteneciente a un «neorrealismo de los sentimientos», se configura al fin como un canto positivo hacia la vida y la necesidad de utilizar nuestro escaso tiempo vital de la manera más intensa posible. Lejos de un pesimismo existencialista que trate la muerte como el horrible final del camino, el mensaje final del film de Kurosawa es mucho más esperanzador, y consigue en su propuesta dejar la sensación de haber asistido a una extraordinaria lección de vida, lección coherente con la visión humanista presente en todo el cine del japonés, en el que se concluye que el ser humano ha de tratar al fin de dedicar todos sus esfuerzos en aprovechar al máximo el tiempo que le es dado, tiempo valiosísimo y demasiado corto como para ser malgastado inútilmente.

Para mi es la pelicula de Kurosawa que mas me ha gustado, y eso que la de los 7 samurais y su escena de la lucha bajo la lluvia me fascina, pero esta es otra cosa, es cine con mayuscula, una obra maestra, el santo grial o como se la quiera llamar, pero es algo especial mas alla del cine, impresindible verla, aunque si uno no es muy seguidor del cine asiatico, esta no es una buena peli para iniciarse........Pero recordad, el tiempo pasa, y la lluvia cae, y sin darnos cuenta estaremos al final del camino, donde lo unico que importara sera vivir...

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kova · enero 21, 2010

Bored To Death

Jonathan Ames (Jason Schwartzman, Viaje a Darjeeling) es un escritor de cine negro en pleno bloqueo creativo después de que su novia Suzanne (Olivia Thirlby, Juno) decidiera terminar la relación. Él no pudo/quiso dejar de beber alcohol y fumar porros, y ella no pudo/quiso seguir esperando a que él cambiara. Este bloqueo ovbiamente llega en mal momento, pues su editor está esperando que entregue el borrador de su segunda novela. En lugar de sobrellevar la presión, asumir sus responsabilidades y enfrentar la realidad, Jonathan decide evadirla. Sentado ante la página en blanco, una idea llega a su mente: reinventar su vida y emular al detective que protagoniza sus historias preferidas. Esperando hacer más ligero su propio equipaje emocional mientras ayuda a otros a resolver sus problemas, publica un anuncio online ofreciéndose como detective sin licencia ni experiencia. Sorpresivamente existen clientes desesperados que reclaman sus servicios. No hay problema, Jonathan ha leído muchas libros sobre detectives así que cree saber exactamente lo que hay que hacer.

En las aventuras de los más disparatados casos, lo acompañaran sus amigos George y Ray. George Christopher (Ted Danson, Damages) es propietario a de una revista en el que Jonathan trabaja como freelance. George es adinerado y un triunfador en su trabajo, pero empieza a sentirse viejo y busca nuevas experiencias, por lo que no duda ni un momento en apuntarse a esta travesía.

Ray (Zack Galifianakis, The Hangover) es un ilustrador frustrado sexualmente porque no puede tener hijos, y los dos que ya tiene su novia no lo respetan. Desde un primer momento señala todos los aspectos negativos del nuevo plan de vida de Jonathan, pero finalmente forma parte del trío. Este reparto de lujo que se verá engalanado con actores invitados como: Oliver Platt, Patton Oswalt e incluso el director de cine Jim Jarmush interpretándose a sí mismo.

Gabardinas, cigarrillos, luces de neón, mujeres fatales, un trío de personajes vulnerables, Brooklyn y un actor que nos recuerda el cine de Wes Anderson. El innegable espíritu indie de este híbrido de comedia urbana surrealista y cine negro, convierte a Bored to Death en una serie con un encanto irresistible. Desde aquí la recomiendo como una de las posibles sorpresas de la temporada. Pero adviero, sera una serie incomprendida, pero a mi me a atrapado..

El creador y guionista de todos los episodios de la serie es Jonathan Ames, escritor norteamericano de novelas y cómics que fue columnista en el New York Press durante varios años. Según la crítica, retrata con gran acierto el existencialismo de los treintañeros y recurre a sus experiencias personales con el alcoholismo y el sexo para dotar de realismo sus narraciones. Sus obras tienen una narrativa muy cinematográfica, con la prosa característica de la Lost Generation, personajes encantadores y un humor excéntrico. Bored to Death está basada en un relato corto del mismo nombre y tiene un tono semiautobiográfico, hasta el punto que el personaje protagonista lleva su nombre. Los capítulos tienen 30 minutos de duración y están rodados en Brooklyn, lugar que le proporcionará a la serie una atmósfera personal.

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kova · febrero 26, 2010

Salvad al tigre

Harry Stone, un famoso industrial textil de Los Ángeles, vive en soledad, inmerso en sus preocupaciones de empresario. Su vida transcurre con monotonía, tanto si está en su lujoso apartamento de Beverly Hills con su amante, como si se encuentra en su fábrica rodeado de gente. Es el centro de un mundo que él mismo ha creado, pero se considera fracasado como hombre.

Intenso episodio crítico en la vida de un hombre de negocios. La meritoria actuación de Lemmon viene dada por la facilidad de darnos a conocer absolutamente todos los pormenores con los que puede encontrarse un hombre cuando su negocio se va a pique.
Su empresa de confección lleva trampas en las cuentas desde hace un año y parece ser que la única forma de salvar todo es incendiar unos talleres y cobrar la indemnización por el seguro.
Lemmon así se lo hará creer a su socio. Lo convence rápido, las razones son obvias: el cierre puede ser la cárcel, o la calle, y todos sus empleados al paro. Con su edad ya no quieren prescindir de su forma de vida que han logrado tras 15 años de esfuerzos, y nos convence a todos de paso, tristemente.
Rememora episodios cruentos de la guerra, de la niñez… La crisis le domina por momentos. Ahí hay estrés. Llama a su mujer... Todavía puede haber ilusión, ¿o no es más que otro contrato negociable día a día?
Todo es desencanto, hasta cuando está con la joven soñadora que no exige nada. No exige nada ¿cómo es posible? Aunque le agrade, ese ya no es su mundo.
"Salvad al tigre" dice la propaganda. ¡Qué coño salvad al tigre si ya no tiene selva! nos dice la película.
-Quisiera estar enamorado… aunque fuera de un perro o de un gato.
Sí es verdad.
Quisiera ser un tigre al que nadie tuviera que salvar.

Decir que esta fue la pelicula con la que realmente conoci al jack lemon actor, siempre le habia visto esos papeles comicos o de porga carga dramatica, pero el que realiza en esta peli es magistral, no puedes apartar la vista de la pantalla, porque alfinal el tigre seremos nosotros, para mi la mejor peli de jack, para otros una peli menor que no a soportado el paso del tiempo, tu decides si verla.... Pero si no lo haces, nunca sabras porque jack es un grande ni porque gano un oscar con su actuacion en esta peli.....

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No e encontrado ni un solo video en youtube, imperdonable que un peliculon como este no tenga ni un triste video subido

kova · mayo 29, 2010

A Civil Action

Ocho familias de Wobum, Massachusetts, emprenden un proceso judicial contra dos poderosas corporaciones, a las que acusan de haber contaminado el agua del pueblo con residuos químicos que han causado la muerte por leucemia a sus hijos. Un abogado especializado en lesiones, Jan Schlichtmann, se hace cargo de tan complicado caso.

Qué buena sorpresa me lleve en su dia con esta película de la que apenas había oído hablar. El director, Steven Zaillian, sin tener aún una carrera muy larga en esto de dirigir pelis, ya había realizado un trabajo más que correcto con su primer largo, "En busca de Bobby Fischer", y aquí vuelve a dejarnos un trabajo serio y muy bien dirigido, y contando para ello con un impresionante conjunto de actores que ya quisieran muchos directores tener a sus órdenes. Quizás el gran fallo del film sea precisamente ése, ya que al tratarse de tantos, el guionista no llega a desarrollarlos a todos de igual manera. Yo, al menos, me he quedado con ganas de disfrutar mucho más de actores de la talla de James Gandolfini o Dan Hedaya, dos pedazos de actores cuya presencia en la trama de la película podría haber dado mucho más de sí. Más de lo mismo ocurre con el genial Willian H. Macy, otro de los buenos actores que aparecen aquí con un papel demasiado secundario. También se puede ver a Tony Shalhoub, que deja una correcta actuación, y el genial John Lithgow, que por una vez no hace de villano, sino de juez. La participación de Kathy Bates es sólo una anécdota, ya que su personaje sólo aparece 5 minutos, y otra actriz interesante como es Kathleen Quinlan tampoco tiene los minutos que se desearía. Está claro que aquí, los dos protagonistas absolutos de la peli son John Travolta, un actor que me gusta cada vez más (si algo hay que agradecerle al loco de Quentin Tarantino es haberlo resucitado para el cine) y el gran Robert Duvall, otro de los monstruos de la interpretación, al que es muy difícil encontrarle una floja actuación. No me extraña que estuviera nominado a los oscars. El fallecido director Sydney Pollack tiene también una pequeña aparición, y no lo hacía nada mal. Desde luego, los amantes del Derecho disfrutarán enormemente con esta película y los que no lo son (como yo), pues también.

Una peli a la que merece darle una oportunidad, tiempo bien invertido, xD...

"Respetable, honesta, lúcida, sobria, sombría" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

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